Malice Mizer

En esta entrada me gustaría hablar de uno de mis grupos favoritos, Malice Mizer, que vimos en clase por encima, pero que me parece que tiene mucho que ofrecer en su evolución para entender el movimiento post-punk. Para ello, vamos a realizar un análisis general de cada una de sus etapas, viendo ejemplos de canciones representativas de la visión del grupo en cada momento, para poder entender su relación con el movimiento post-punk y los paralelismos entre uno y otro.

              Antes que nada, me gustaría empezar hablando del propio nombre del grupo: Malice Mizer. Lo escogieron el guitarrista y líder de la banda, Mana-Sama, y el segundo guitarrista, Közi, al preguntarse qué es la humanidad: malicia y miseria, de modo que vemos una perspectiva totalmente pesimista ya de entrada, con lo cual queda patente la relación con el punk al no ver en la humanidad la bondad, sino todo lo contrario, que con el tiempo le llevará a un futuro devastado, lleno de miseria, del cual no hay salvación precisamente por esa naturaleza humana.

               Ahora vamos a explicar un poco las tres etapas por las que pasa el grupo, todas ellas bajo el liderazgo de Mana y con la segunda guitarra de Közi y Yu~Ki al bajo, pero con diferentes vocalistas. En total hay 3 etapas: la etapa de Tetsu, la de Gackt y la de Klaha. Veámoslas ahora una a una.

               La etapa de Tetsu (1991-1995) es la original, en la que el grupo se constituyó bajo un estilo post-punk muy primigenio y poco pulido. Nos encontramos con que la formación ya viste con un estilo gótico pero bastante vasto, sucio, que se puede ver claramente en las primeros conciertos, con decorados que simulaban cementerios llenos de telarañas y florituras, así como una vestimenta bastante sobria que recordaba más a un funeral que a una superación del ser humano o la perfección; de hecho, es bastante realista en este sentido (se puede ver en este concierto: https://www.youtube.com/watch?v=C7AJw5Kzf8Q). Asimismo, las puestas en escena y las imágenes del grupo eran bastante corrientes (al menos dentro del post-punk primigenio), con una música muy ruidosa, con algunos instrumentos como el órgano o sonidos de campanas, acompañados de la particular voz de Tetsu, la cual es muy inestable y da la sensación siempre de estar entre la risa y el llanto, en un estado continuo de progresiva locura ascendente.

Malice Mizer durante uno de sus primeros conciertos. De izq. a dcha.: Mana, Yu~Ki y Tetsu.

Por tanto, el aura característica de esta etapa está más ligada a los sentimientos, a lo humano, que a una perspectiva transhumanista; aunque, eso sí, la perspectiva de la maldad del ser humano va a estar presente como un elemento central de las canciones, con todas las emociones derivadas como puedan ser la tristeza (claro ejemplo de ello es “Sadness”, que te inyecta en un espacio de pura tristeza), la ira, la locura (como puede ser “Baroque”)…

El grupo en formación. Közi, Kami, Tetsu, Yu~Ki y Mana (de izq. a dcha.)

La canción de esta era que he elegido para analizar es “Speed of Desperate”. Esta canción liga muy bien con el efecto de locura, una locura ascendente junto al ritmo de la canción, al igual que el ser humano codicioso que sólo quiere más y más, fruto del ansia capitalista. La canción conecta con el sentimiento de desesperación que vivimos en esta sociedad sin frenos, con una letra cuanto menos ilustrativa:

No se puede esperar nada de este mundo mecánico (lit. de Karakuri)

Vamos, ponlo en tus manos

Un infierno sobre la tierra, groserías imparables

Vamos, ponlo en tus manos

Los ideales que construí son crueles cadáveres sin sentido

Deseando la eternidad, un apetito insaciable

Vamos, ponlo en tus manos

Un cuchillo silencioso, pasión imparable

Vamos, ponlo en tus manos

Felicidad desparramada, las recompensas son de ensueño

Amo desde el fondo de mi corazón la imagen que de mí se refleja en el espejo

Me dejan solo y de repente me doy cuenta de que soy un payaso

Me dejaron aquí y ya no puedo ver ni el mañana

Siempre estoy deseando, pensando constantemente

De este modo, en este calor

Ahora ya me quedo con estas espinas, con la eternidad y con este amor

               Empieza con la mecanización, dando a entender los límites de esta, siempre esperando más y más, y por ello invita constantemente a “ponerlo en nuestras manos”, en volver a tener autonomía y no ser como los Karakuri; de este modo, vemos aquí un componente mecanoclasta bastante fuerte. Asimismo, con la frase “los ideales que construí son crueles cadáveres sin sentido” también queda patente la idea de cómo todo lo que nos han enseñado, con los valores liberales, principalmente la felicidad, la abundancia, el consumo, todo son, al final, cadáveres sin sentido que se amontonan uno sobre otro, pues al final no nos traen ninguna felicidad, sino que, de hecho, tienen el efecto contrario y nos llevan a sentirnos más perdidos en este mundo, con un deseo continuo por poseer más y más, por ser eternos en nuestros deseos insaciables e incansables, llevándonos incluso a la locura (“un cuchillo silencioso, pasión imparable”). Nos hemos convertido en seres profundamente obsesivos con lo material, de ahí el consumismo irrefrenable y la frase de “amo desde el fondo de mi corazón la imagen que de mí se refleja en el espejo”, para darse cuenta posteriormente que, a la mínima que nos dejan solos y nos volvemos conscientes de lo que realmente somos, no somos más que payasos incapaces de controlar nuestras vidas, meros peleles consumidos por un deseo y unos ideales impuestos desde fuera.

Demo "Sadness & Speed of Desperate"

               Con esta canción queda patente, por tanto, la visión del ser humano como un animal consumido por sus propios deseos, por su maldad, que lo lleva irremediablemente a la locura, al igual que hace el ritmo de la canción; y de ahí el título, Speed of Desperate, pues es la velocidad a la que nos desesperamos por tener más y más, un sentimiento que todos poseemos y nos posee, y que intentan plasmar –y logran bastante bien- en esta y otras canciones de esta etapa.

               La siguiente etapa (1995-1999) supone un cambio radical con esta primera, muy minimalista y poco pulida. Con la entrada de Gackt como vocalista, entra una voz muy fina y “perfecta”, más propensa al estilo pop, saltando de una perspectiva oscura a otra muy luminosa, como se puede ver en su álbum “Voyage ~Sans Retour~” de 1996, que supone una especie de “retorno a la infancia” con su música, donde la canción más oscura quizás pueda ser N.P.N.G. (No Pains No Gains), en la que en cierto modo se representa la vorágine imperialista japonesa pre-guerra mundial; pero no hay ni rastro de la estética gótica anterior. Destaca también la publicación ese mismo año de su single “Ma chérie ~Itoshii Kimi e~”, que, de hecho, se elegiría como canción oficial de la banda, mostrando de este modo el ambiente de aparente felicidad de esta época, con influencias del pop francés en los títulos de las canciones y álbumes, así como en algunas maneras de vestir. De hecho, será durante esta época cuando la manera de vestir pase a tener una importancia mucho mayor, de modo que incluso cada canción tendrá un outfit determinado para cada miembro del grupo.

Portada del álbum Memoire + Voyage, que incluía el álbum de la etapa de Tetsu junto al primero de Gackt. En la imgen: Közi, Mana, Gackt, Yu~Ki y Kami, con el outfit de la canción "Le Ciel".

               Con la publicación de su tercer álbum, “merveilles”, el grupo se separó en cierta medida de esa perspectiva tan infantil para acercarse a tratar algunos temas un tanto más oscuros, aunque también nos seguimos encontrando canciones bastante alegres como “Brise”. La tristeza se puede ver aquí otra vez, pero ya no desde una perspectiva pesimista y post-punk, sino de una forma muy romántica, como puede ser el caso de “au revoir” o “Bel Air ~kuuhaku no toki no naka de~”, contando esta última con un cortometraje de media hora en el que se pone en contexto la canción, el cual tiene completamente una perspectiva rococó.

Imagen del grupo para "Bel-Air"

               También encontramos temas en apariencia infantiles pero con historias más o menos oscuras, como puede ser el caso de “Gekka no Yasôkyoku”, que trata sobre dos marionetas que son controladas de formas desproporcionadas hasta destruirse y desaparecer. También vemos un fuerte elemento tecnológico, viendo en la tecnología una herramienta de control para fines totalmente paroxistas y enfocados, en muchos casos, en lo sexual, como puede ser el caso de “ILLUMINATI”, donde hay un elemento incluso gore que conecta con los instintos más primigenios, una especie de gamificación de la vida mediante las máquinas que conecta con el sadismo, con el instinto más primigenio humano; por tanto, también nos encontramos aquí con un elemento mecanoclasta, respresentado en este caso de un modo más gráfico, no como en la primera etapa, donde las letras mostraban el pesimismo ante la tecnología. De hecho, la canción en cierto modo se recrea en el sentimiento de locura al tener un ritmo más bien robótico que, lejos de someterte a un estado de tristeza y pesadumbre, te hace sentirte preso de un ritmo frenético y tecnológico. Por tanto, se pasa de una música muy emocional a otra más fría y mecánica, aunque esto sea en este caso y en otras canciones como “Ju te veux” o “S-CONSCIOUS”, pues en otras canciones sí habrá un fuerte elemento emocional, aunque ya no tendrá un matiz pesimista o de locura, sino más bien de una melancolía que acaba por hacerte sentir reconfortado. Ejemplos de esto último son “Le Ciel”, “Syunikis ~nidome no aitou~” o las ya menciondas “au revoir” o “Bel Air ~kuuhaku no toki no naka de~”.

Imagen del grupo para "ILLUMINATI"

Imagen del grupo para "Gekka no Yasôkyoku"

               Un elemento bastante curioso de esta etapa va a ser también la puesta en escena de la banda, que serán espectáculos en toda regla, casi como obras teatrales, con cambios continuos de vestidos y efectos especiales y decorados a gran escala, con momentos de actuación. Destaca la especie de obsesión que van a desarrollar con los vampiros, de modo que, especialmente durante la época de Voyage, van a hacer muchas representaciones como si fuesen vampiros, aunque si esto se va a ver en algún momento con más fuerza será durante la tercera etapa de la banda.

Puesta en escena de "Le Ciel", en la que Gackt simula ser un ángel caído que, al final, vuelve al cielo. Es una de las actuaciones más famosas del grupo: https://youtu.be/wKQRBGSVlHA

               Puesto que esta segunda etapa tiene muchos elementos, vamos a resumirlos brevemente: pasamos de un estilo gótico relacionado directamente con la expresión de emociones y sentimientos, a otro estilo alejado del gótico y caracterizado por ser la conjunción de muchos estilos diferentes, más infantil en muchos casos, recreándose en aquello que quiere criticar en otros, e incluso con elementos románticos y melancólicos más propios del pop que del post-punk, de modo que esta expresión de emociones y sentimientos va a ser más sutil y “positiva”, sin pretender realmente una crítica tanto como el entretenimiento y la sorpresa del oyente/visualizador. Por todo esto no hemos analizado ninguna canción de esta etapa, pues cada sub-estilo presenta características bastante diferentes, y lo ideal es vivir la experiencia completa escuchando el disco de merveilles.

               La última etapa (1999-2001) constituye una especie de regreso a la idea gótica original, pero de una forma mucho más pulida, fruto de la etapa intermedia en la que la experimentación con los diferentes estilos y las maneras de vestir llevaron a una especie de perfección estética (potenciada también por un mayor número de recursos para la banda por su gran éxito y fama). La muerte del batería, Kami, va a suponer una caída en el pesimismo y el oscurantismo de los miembros de la banda, junto al nuevo vocalista, Klaha, con una voz muy grave, casi como de ópera, muy diferente a la voz caótica de Tetsu y a la voz pop de Gackt, que supondrá un aliciente para enfocarse a este nuevo estilo en el que se pasará de la música mayoritariamente electrónica de la anterior época a una caracterizada por instrumentos clásicos, principalmente el órgano, así como la incorporación de grandes coros, como se puede ver claramente en la canción “Seinaru Koku Eien no Inori”. Por tanto, la perspectiva de esta época se va a alejar completamente de la expresión cercana a la locura de las emociones que encontrábamos en la primera época, y del aspecto desenfadado o que se recreaba en lo que quería criticar de la segunda, para dar lugar al transhumanismo en su estado puro, con un estilo puramente gótico y dramático alejado de las emociones “mundanas” de los seres humanos.

La banda durante la época de Klaha. En orden de arriba abajo y de izq. a dcha.: Klaha, Mana, Közi y Yu~Ki.

Las canciones tratan en su mayoría temas que van más allá de los aspectos humanos, centrándose principalmente en el tema de los vampiros (incluso llegaron a filmar un largometraje, “Bara no Konrei”, traducido como “El matrimonio de la rosa”, que será una adaptación realizada por los miembros de la banda de la película Drácula de Bram Stoker), con la rosa como símbolo presente en prácticamente todas las canciones, un elemento que simboliza el amor (cuando es roja), la pureza (cuando es blanca), el afecto y la confianza (cuando es azul)… Esto lo podemos ver en los títulos de las diferentes obras del grupo durante esta época, como pueda ser el título de la película que ya hemos nombrado, el título del álbum que sacarán durante esta época (“Bara no Seidô”, traducido como “La iglesia de la Rosa”) o el título de algunas de sus canciones (“Bara no Sôretsu”, traducido como “El cortejo funeral de la Rosa”; la primera canción del álbum, “Bara ni irodorareta akui to higeki no makuake”, traducido como “Un preludio de malicia y miseria, coloreado por la rosa”; o “Saikai no chi to bara”, traducido como “Reencuentro de la sangre y la rosa”, en honor a Kami). Por tanto, nos encontramos con una especie de fases por las que pasa la Rosa, la pureza: desde la malicia y la miseria que nombran al grupo, a modo de preludio de la vida que le va a tocar vivir, la vida humana, pasando por el matrimonio, la comulgación con lo sagrado y la vuelta a su naturaleza pura… hasta llegar a su funeral, siempre bajo un aura oscura. Por tanto, el transhumanismo va a estar más relacionado como en una especie de regreso a lo divino, a lo religioso, lo cual se verá reforzado por los crucifijos que lleven los miembros; sin embargo, el elemento vampírico va a romper esta perspectiva de pureza para dar lugar a la maldad, la maldad sobrenatural como representación de lo que puede llegar a ser el ser humano y que, de hecho será (aunque, por supuesto, de forma metafórica). La maldad y la miseria, la codicia, matan la pureza, matan al ser humano hasta llevarle a unos límites insospechados de maldad, y por ello hay que regresar a la divinidad, a lo que no está contaminado, abandonando la forma bajo los vestidos que llevan, sobrios y antinaturales a la vez, como si no fuesen de este mundo.

Mana durante la película, entregando una rosa a una niña, en señal de pureza frente al mal, representado por Drácula. (link de la película: https://youtu.be/bdDOOCvQCzk)

Toda esta estética se va a ver reflejada también en el concierto que realizarán, llamado “Bara ni irodorareta akui to higeki no makuake” (al igual que la primera canción de su álbum), con una puesta en escena titánica, similar a una obra de teatro, muy parecida a las realizadas en la anterior etapa pero llevada al límite. Van a recrear en esta ocasión una catedral de utilería a escala, junto a todo un coro entero, en un ambiente puramente gótico y oscuro, casi situado en otra dimensión, transmitiendo junto a la música un aura de melancolía y serenidad, de regreso a esa pureza original que estamos destruyendo y acabaremos por destruir completamente.

El mencionado concierto durante la representación de la canción "Seinaru Koku Eien no Inori", con Közi, Mana y Yu~Ki al frente y el coro detrás, y Klaha a un de los laterales (aunque no sale en esta captura) (link del vídeo: https://www.youtube.com/watch?v=KTKNgiTxtUU)

Tras el álbum “Bara no Seidô”, el grupo sacará una serie de singles que romperán bastante con la estética gótica barroca tan recargada y caracterizada principalmente por un sonido de música clásica: “Gardenia”, “Garnet ~Kindan no Sono He~” y “Beast of Blood”. Sin embargo, al igual que el look surge como una fusión de la primera y la segunda etapa, igual ocurre con la música de estos singles, en los que se adhieren muchos elementos electrónicos, aunque el peso recaerá principalmente en las guitarras, la batería y el bajo. Además, los temas van a ser mucho más impersonales y relacionados con elementos fantásticos, siempre manteniendo el elemento de oscurantismo, gótico, como pueda ser el caso de “Garnet ~Kindan no Sono He~” o “Gensô Rakuen” (esta última destaca por su ritmo frenético que recuerda en gran medida a Speed of Desperate), aunque también encontramos canciones románticas, aunque mucho más profundas que las de la etapa de Gackt, gracias a la voz de Klaha, como puede ser “Gardenia”, así como canciones que rozan el terror o lo paranormal, como es el caso de “Beast of Blood”. Cabe mencionar también que las canciones principales de estos singles van a tener videoclips, los cuales serán muy acordes al estilo de la canción, más pulido si cabe que los de la etapa de Gackt.

Look del grupo para "Beast of Blood"

  Me gustaría destacar la canción “Hôkai Jokyoku”, lanzada dentro del single “Gardenia”, con un sonido mucho más electrónico, el cual también se podrá ver en el look de los miembros del grupo, aunque sin abandonar el órgano como elemento base. Por tanto, hay una especie de regreso a la primera época con el ritmo frenético que te arrastra hacia la locura, aunque aquí será mucho más impersonal y con una letra menos “humana”, más fría y distante, recordando en este aspecto a ILLUMINATI. Veámosla:

delusion and dream

a moment when reality fades

two voices crossing

memory of red blood

cells tremble

they tremble in pleasure

fate / shrieks / urge / resonance / the end

constraining voice

a temptation toward ruin

all for destruction

all for bloodshed

birth / rule / lust / sequent

a runaway playback of memories

a body that has lost its senses

program crash

out of control

and it repeats all over again

mind / life / scenario / lasting / the end

collapsing thoughts

diminishing vision

resounding heartbeat

approaching silence

and it repeats all over again

birth / rule / lust / sequent

last of the end

man-made memories

ordained destiny

               Vemos en la canción, al igual que en ILLUMINATI, el elemento sexual de la tecnología, un goce sin fin cercano al desenfreno (“cells tremble, they tremble in pleasure”), al paroxismo, con una especie de fusión de los ritmos de locura de la primera época. Aunque quizás deberíamos centrarnos en el título de la canción para hacernos una idea acerca de la naturaleza de la misma: “Hôkai Jokyoku” significa “Preludio del colapso”, de modo que nos encontramos de nuevo ante la perspectiva post-punk o cyberpunk, aunque de un modo todavía más mecánico que en ILLUMINATI, llegando incluso a ser incómoda en algunos momentos. Sin embargo, vemos bastantes similitudes en la letra con Speed of Desperate, a pesar de que esta canción sea mucho más impersonal y mecánica, como pueda ser el deseo que nos lleva a la destrucción, siguiendo el engaño y los sueños del capitalismo, del sistema, que la propia humanidad ha creado; de ahí las últimas dos líneas: “man made memories / ordained destiny”, pues nosotros creamos nuestra realidad y, en consecuencia, tenemos lo que merecemos o lo que toca por nuestra propia naturaleza: nuestra destrucción, de la cual esta canción es un preludio.

               En definitiva, esta etapa se caracteriza por un regreso a la primera etapa pero de una manera mucho más pulida y barroca, dando posteriormente lugar a otra etapa donde las emociones humanas vuelven a florecer en forma de miedos (con “Beast of Blood”) o sentimientos más románticos (“Gardenia”), aunque con la melancolía y la superación de lo humano siempre de fondo, con la visión constante del ser humano como ser maligno que finalmente se autodestruirá.

               Para concluir este extenso análisis de esta maravillosa banda, que supuso un antes y un después en la escena Visual-Kei, podemos ver que ha sufrido una evolución bastante similar al post-punk, en tanto que pasa de un primer momento de falta de pulidez y tosquedad, a acabar con el más absoluto refinamiento y superación de lo humano, conectando con los elementos religiosos como símbolos de la pureza que terminamos por destruir (y se ve incluso en la escenificación de un funeral durante el gran concierto que hicieron), pasando por una etapa intermedia de desconexión con el oscurantismo y recreación en los sentimientos humanos de una forma más pura, aunque sin quitarse de la vista la perversión tecnológica en ningún momento (aunque aquí se recree más en ella y nos haga entrar en consonancia, al contrario que en la primera y la tercera etapa). Finalmente, el grupo entró en hiato indefinido en el año 2001, destacando la posterior carrea del líder de la banda, Mana-sama, que formó el grupo Moi Dix Mois, con un metal gótico mucho más fuerte y desconectado de cualquier conexión con las preocupaciones o problemas humanos, incluso de la tecnología, logrando así el summum del transhumanismo, siempre con el elemento religioso y de perfección estética de fondo, además de la cara siempre impasible de Mana y su silencio eterno, incluso durante la etapa de Malice Mizer, de modo que sólo su figura es una fiel representación de la estética post-punk, del transhumanismo, pues siempre logra superar lo humano para volver a una conexión con la serenidad y la superación de los sentimientos mundanos. Podríamos hacer un análisis profuso de la figura de Mana, pero con el análisis de Malice Mizer es suficiente para entender su figura, en tanto que es una especie de prolongación de este personaje tan particular.

Mana en su etapa Malice Mizer a la izquierda, y en su etapa Moi Dix Mois a la derecha